融會貫通 追求表演的更高境界（創造性轉化創新性發展縱橫談）

圖為話劇《杜甫》劇照。 　　李春光攝

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　　核心閱讀

　　表演是一門技術，更是一門藝術。很多演員會止步於技術，甚至會通過不斷提取自己的“表情包”完成表演。當一位演員不僅有成熟的技術，而且能夠調動自己豐富的生活閱歷時，表演就進入更高境界——自帶光芒、觸動靈魂

　　演員的表演水准隻有不斷提升，才能讓品位越來越高的觀眾接受。任何一種表演體系都不是一成不變的金科玉律，應隨時代變化不斷調整、發展，我們可以對其進行創造性轉化創新性發展

　　對不同的表演體系，我們要努力做到融會貫通，珍視老祖宗留下的寶貴藝術財富，做出合理的現代轉化，同時注重向國外同行學習，打開表演的想象力

　　表演既是技術又是藝術

　　記者：近幾年，伴隨戲劇、影視行業的蓬勃發展，觀眾對表演越來越關注，社交平台上、評分網站上、彈幕中，關於演技的討論熱火朝天。還有不少專門的“表演類”綜藝節目成為收視熱點。您如何定義表演，您認為什麼是好的表演？

　　馮遠征：“表”是表現，“演”是演繹。用心感受，再通過身體把感受表達出來，就是表演。好的表演要完成對一個角色的塑造，哪怕這個角色隻有一場戲。相反，如果只是一個表演片段，看不出角色的完整性，就無法充分判斷表演水平。

　　我認為，符合絕大多數人對好的表演的理解和定義，就可以稱之為好的表演。無論是研究表演的專家，還是普通觀眾，都可以對表演做出評判。觀眾對演技的關注，可以督促演員更加關注表演本身。

　　記者：戲曲是“唱念做打”，相聲是“說學逗唱”，表演是“聲台形表”，每一個舞台藝術門類都有自己的門道和精髓。您表演和表演教學經驗豐富，對此有什麼心得？

　　馮遠征：為什麼我們說“演技”，因為表演是一門技術。毫無表演經驗的人也可能憑本能演得很好，演一兩部戲可以，但要獲得長久的發展，必須經過專業訓練。專業演員必須經過聲音、台詞、形體、表演等多方面的綜合訓練。

　　我把表演分為三個階段。初級階段是用真情實感來表演，但這種真實不是人物的真實，而是演員本身情感的流露。當表演經驗越來越豐富，掌握了表演的技術，就進入第二個階段。在這一階段，無論是哭還是笑，演員都能表現得很好，演完立刻就“收”，技術非常好，但往往缺少情感和爆發力。80%的演員可能會止步於這一技術層面，有些演員甚至會通過不斷提取自己的“表情包”完成表演。表演不僅是一門技術，更是一門藝術。當一位演員不僅有成熟的技術，而且能夠調動起自己的生活閱歷、自己對人間酸甜苦辣的真實體驗時，表演就進入更高境界——自帶光芒、觸動靈魂。

　　對於年輕演員來說，不能苛求演技多麼精湛。但年輕演員要懂得給自己加碼：訓練演技和體驗生活缺一不可。隻有學會表演這門技術，才能知道如何塑造人物﹔隻有懂得體驗生活，才能使表演愈加深刻。

　　善用“融”和“化”的功夫

　　記者：北京人民藝術劇院有許多經典保留劇目，如《茶館》《雷雨》等，老一輩表演藝術家的表演為后輩樹立起標杆。如何在傳承經典的同時打造新的藝術風格？

　　馮遠征：《茶館》第一代演員把這部劇演成了經典，在許多觀眾心目中無法超越。當我們這一代演員接棒時，內心是非常忐忑的——觀眾和老藝術家們都在審視我們到底能不能成。我們首先要做的是把老藝術家的藝術精髓傳承下來，這種傳承不是完全的模仿，而是揣摩老藝術家為什麼這麼演，把他們的一招一式“拿”過來，“化”到自己身上。演出這麼多場次以后，人物還是那些人物，台詞還是那些台詞，但人物已經“脫胎換骨”，在我們身上“活”了：既有經典的影子，又有新的理解和表現。黃宗洛先生扮演的鬆二爺當然是經典，當觀眾也認可馮遠征扮演的鬆二爺時，我的表演就成功了。

　　人民需要文藝，演員隻有不斷提升表演水准，才能讓品位越來越高的觀眾接受。傳統表演中不適合當代審美的地方，比如略顯夸張的處理方式要改進。同時，我們要在一次次打磨和積澱中探索新的表演風格，把每一次演出獲得的新體悟，合理地展現在人物身上。

　　我一直認為北京人藝不應該隻有一版《茶館》，可以有三四個完全不一樣的版本。比如穿著現代人的西服襯衫去演《茶館》會是怎樣？我們可以做更多更具探索性的嘗試。

　　記者：我國有豐富且獨特的演劇經驗積累，同時，近代以來的表演藝術又受到斯坦尼斯拉夫斯基、布萊希特等國外表演體系影響。如何融合不同表演體系、方法的優長，建立適合當代中國的表演方法？

　　馮遠征：20世紀上半葉，我們開始引進斯坦尼斯拉夫斯基的教學方法，對我們的表演教學產生很大影響，對此我們究竟吸收了多少、發展了多少，值得思考。任何一種表演體系都不是一成不變的金科玉律，應隨時代變化不斷調整、發展，我們可以對其進行創造性轉化創新性發展。

　　當前國際上一些表演流派非常關注身體表現力，比如中性面具訓練，就是用身體表現人的各種情緒。而身體表現力恰恰是我們的傳統戲曲所關注和擅長的。戲曲運用寫意的程式化表演，演員一抬手，觀眾就知道他喝酒了，一拿袖子，觀眾就知道他哭了。不同的表演體系有其相通之處，古老的表演方式也能挖掘出現代因子。對不同的表演體系，我們要努力做到融會貫通，珍視老祖宗留下的寶貴藝術財富，做出合理的現代轉化，同時注重向國外同行學習，打開表演的想象力。

　　我起初學的是斯坦尼斯拉夫斯基表演體系，之后又在北京人藝的老師調教下，學習人藝演劇方法，后來我又去德國學習格洛托夫斯基表演方法。如今，我無法分清我的表演中有多少是斯坦尼斯拉夫斯基的、多少是北京人藝的、多少是格洛托夫斯基的，更多的時候是綜合運用，在某一瞬間會特別運用某一種表演方法。在教學中，我往往結合自己30多年來的表演實踐經驗，教給學生多種表演方法。

　　永葆創新和探索精神

　　記者：您本人既從事話劇表演也從事影視表演，如何認識兩者的不同？從持續幾個月的排練，到登台后連續多場的演出，話劇表演是一個不斷打磨和錘煉的過程。如何在“一樣”中尋求“不一樣”，激發表演的新意和活力？

　　馮遠征：話劇和影視各有其魅力，兩者相通的地方是以塑造人物為重心。不管是影視表演還是戲劇表演，演員都要努力奉獻出一個讓觀眾信服的人物。根據輸出媒介的不同，兩者形體表演的幅度有所不同：影視表演更接近生活狀態，舞台表演的形體幅度更大一些。

　　我始終對話劇情有獨鐘。我認為，如果一名演員在話劇舞台上歷練過，就會更深刻地體會到與觀眾同呼吸共命運的表演狀態：你的一舉一動，觀眾盡收眼底﹔觀眾微笑或蹙眉，都會牽動你的心。話劇舞台非常鍛煉人，一部戲需要三四個月甚至更長的排練時間。演員隻有全身心地投入才能演出好作品、塑造好人物。在這幾個月的時間裡，演員幾乎每天都在重復同樣的台詞。比如，一句再簡單不過的“你吃了嗎”，演員會用幾個月的時間細細品味、細細打磨，而且沒有一次會重樣。經過幾個月的沉澱，演員終於對自己滿意了，那就是可以與觀眾見面的時刻了。

　　我在話劇《杜甫》中扮演杜甫的時候，曾有人問我，你每天在台上這樣“真摔”“真哭”，不覺得累嗎？我之所以不覺得“累”，是因為我不會以一種重復的心態面對表演，否則就會味同嚼蠟、就會產生疲憊感。我們要秉持這樣的信念：每一次大幕拉開，都如同演一場新戲，要帶著新鮮的、原創的態度用心感受、用情表演，在獨一無二的“這一場”中打造新的經典。

　　記者：2020年，演藝行業開始廣泛嘗試“雲文藝”的演出方式。網絡技術等科技的發展，將給戲劇帶來怎樣的改變？

　　馮遠征：“線上”讓我們所有人進入了一種全新的工作狀態，重新認識網絡、擁抱網絡。去年北京人藝開展68周年院慶直播，觀眾的評價通過彈幕直接反饋給演員，帶來與劇場演出不一樣的現場感。“線上”“雲文藝”對於戲劇未來發展無疑是一條新路徑，豐富藝術表現手段，開拓戲劇表演空間。

　　借力科技，可以嘗試更多新的表演方式，創新戲劇形式。比如與分散在全國各地的演員用直播的方式演一場戲、與世界各地的演員用不同的語言共同演繹《哈姆雷特》，等等。我對科技發展給戲劇帶來的新變充滿期待，希望和戲劇同行一起，永葆創新和探索精神，創造戲劇更精彩的未來。

　　版式設計：趙偲汝