音樂大師威爾第曾被認為不適合作音樂學院學生

朱塞佩·威爾第

威爾第於1881年在巴黎指揮歌劇《阿依達》

　　朱塞佩·威爾第，1813年10月9日出生於意大利北部帕爾馬所轄布塞托市附近的倫高勒，1901年1月27日在米蘭逝世。作為人類歷史上最杰出的歌劇作曲大師之一，他一生共創作了28部歌劇，其中的《弄臣》（又譯《利戈萊托》）、《茶花女》、《假面舞會》、《阿依達》、《奧塞羅》、《法爾斯塔夫》等迄今仍是全世界歌劇院上演率最高的經典之作。據Bachtrack網站所作的統計，在2012年全世界上演場次最多的前十部歌劇中，《茶花女》和《弄臣》分別位居第七和第九位。

　　被音樂學院拒之門外

　　威爾第的父親在偏僻的小城裡經營一家小客店，威爾第在他幼年和青少年時代不僅沒有優越家境，也未能像很多作曲家那樣以音樂神童的出色才華為自己贏得名聲和機會。在他的記憶中，與童年相伴的總是揮之不去的“貧困和陰暗”，而給他一生帶來最大傷害的挫折之一是1832年被米蘭音樂學院拒之門外。據研究者的考察，威爾第未能通過米蘭音樂學院入學考試的原因之一是他的年齡已經超過學院的規定，同時，他在鋼琴演奏方面的表現也未能給主持考試的院長弗蘭切斯科·巴希利留下深刻印象，於是，威爾第被認為“不適合作為音樂學院的學生”。65年后，當米蘭音樂學院希冀以聞名全球的歌劇大師朱塞佩·威爾第的大名為其命名時，遭到這位大師的斷然拒絕，可見青年時代的傷痛是何等難以忘懷！

　　對於今日的很多人而言，不能進入音樂學院接受正規而系統的音樂訓練和學習幾乎意味著與成功的音樂生涯無緣，但像威爾第這樣堅忍不拔的天才，通過拜私人老師學習以及刻苦自修，不僅掌握了歌劇和音樂創作的扎實技巧，更通過多產的創作而使自己的才華不斷走向成熟。

　　多產的音樂大師

　　與前輩作曲家多尼採蒂一生寫出65部歌劇相比，威爾第28部歌劇的創作數量似乎不足為奇，但威爾第在進入藝術成熟期之后的創作水准以及在多部杰作中達到的表現情感世界和揭示人性的深度，則為前輩作曲及所不及。威爾第的音樂當之無愧地代表了意大利歌劇發展的宏偉巔峰，使得意大利歌劇成為19世紀與瓦格納樂劇對峙和輝映的璀璨藝術瑰寶。

　　1851年3月11日首演於威尼斯鳳凰歌劇院的《弄臣》，是威爾第創作中期一系列輝煌杰作的第一部。這部取材於雨果的戲劇《國王尋樂》的歌劇有著后世評論家所說的“大膽到極端的題材”——劇中主人公弄臣，這種與我國古代宮廷弄臣鄧通、李延年以及和珅相對應的人物，有著畸形的身體和復雜的內心世界，正如威爾第傳記作者芭芭拉·麥耶所指出的，他“是自我欺騙和信仰的受害者，作為個人，他通過對強權的極端迎合來保護自己的完整性，把私人空間當作個人世界來捍衛……他通過人格分裂來逃避可憎的世界和自己的不幸。”這樣的題材，不僅對於當時的演出審查機構，而且對於觀眾也是前所未有的挑戰。但當觀眾被時而激越、時而歡快、時而悲戚、時而暴怒的音樂引領，最終走向那由詛咒和天意注定的難以逃脫的淒慘結尾時，為同情的眼淚所浸泡的心靈同樣會意識到，這種體驗是一種何等豐盛的歌劇饗宴！這已完全不再是能夠以平常心態輕鬆面對的娛樂性藝術，而是深深吸引參演者和觀聽者高度投入的藝術創造。深刻的藝術感染力使得這部創作於一個半世紀前的作品、使得發生於久遠的16世紀曼圖亞宮廷的故事跨越時空，新穎逼真地呈現在今日觀眾眼前。沉浸於劇情中，走進弄臣的內心世界，我們或許不無驚恐地從中發現自我以及身邊芸芸眾生的影子——那些為生活和職業所迫而逢迎他人、為人性中惡意和陰暗因素所驅使的人，難道不懼怕那最終將要到來的可怕報應？

　　1853年3月6日在鳳凰歌劇院首演的《茶花女》，作為威爾第創作中期的另一部杰作，之所以能迅速征服歐洲和世界各地的觀眾，除了小仲馬的小說所提供的感人素材，音樂對女主人公形象的詩意提升、對愛情的熱烈贊頌以及對籠罩全劇的悲劇感的強化，都是最關鍵的原因所在，也是使它能讓各種文化背景下的觀眾深受吸引、為之唏噓落淚的原因。

　　后世作曲家斯特拉文斯基雖然為威爾第以《法爾斯塔夫》結束自己的事業而深感遺憾，但在這位眼光挑剔的后輩同行看來，像《弄臣》中的“女人善變”這樣的詠嘆調，比起和威爾第同年出生的瓦格納“四聯劇”中“辭藻華麗的滔滔不絕”，有著更多的內涵和創新。這首自問世以來深得男高音歌唱家青睞的名段，由於人們聽得太多，或許很難認真地感受到其中的內涵和創新因素，而一旦進入整部歌劇完整劇情的語境，這一精彩片段所具有的原初感染力便會重現。這首詠嘆調出現在《弄臣》第三幕開始后不久，在它之后，威爾第泉涌般的樂思繼續將最美的旋律賦予劇中人物，公爵、瑪達萊娜、吉爾達和弄臣的四重唱成為古往今來所有歌劇四重唱中最膾炙人口的名作。

　　1870年應埃及開羅歌劇院之邀創作《阿伊達》時，57歲的威爾第在音樂創作上不僅沒有顯示出靈感枯竭和創造力衰退的跡象，反而有了更大程度的自我超越和突破。他打破了傳統歌劇的分曲結構，以音樂推動劇情的發展，並且借鑒了瓦格納的“主導動機”手法。盡管在創作上有如此多的突破和創新，但威爾第出於對自己民族音樂傳統的尊崇和掌握，並沒有迷失於瓦格納的“交響化風格”。劇中第三幕阿依達的詠嘆調“噢，蔚藍的天空”，散發的仍然是意大利音樂的濃郁芬芳，打動觀眾肺腑的是最朴素親切的對故國家園的懷戀與思念之情。

　　在歌劇之外，威爾第最受歡迎的作品是完成於1874年、同年5月22日由作曲家親自指揮在米蘭聖馬可教堂首演的《安魂曲》（全稱為《安魂彌撒》），那場演出成為意大利舉國轟動的盛事。威爾第同時代的指揮家和鋼琴家漢斯·馮·比洛稱這部作品是威爾第“最后一部披著宗教外衣的歌劇”，這種說法其實未必不是對威爾第杰作內在特征及不朽價值的認識——它不僅是同貝多芬的《庄嚴彌撒》等並駕齊驅的19世紀最偉大的宗教題材合唱杰作，而且在情感、內涵及價值上超越了宗教，成為人類偉大精神的贊美和體現。在自16世紀至今產生的約1600部《安魂曲》中，威爾第的《安魂曲》是上演最頻繁的作品之一。

　　《簡明牛津音樂詞典》中“威爾第”詞條的這樣一句評價或許可以代表被廣泛認可的對這位大師的正面評價：“威爾第作為舉世不過二三位最偉大的歌劇作曲家之一的地位是無可非議的……他的本質是率真、高尚、熱烈，從《納布科》到《法爾斯塔夫》始終如一。”（王紀宴 中國藝術研究院音樂研究所）

(來源:光明日報)