古典音樂與我們共鳴 新年音樂會演出蜂擁北京市場

　　當下，又到音樂演出的火熱季。在令人眼花繚亂的各大跨年演出中，古典音樂的演出比往年更為引人關注。在踩著“江南Style”的時代，大眾應如何理解被稱為“高雅藝術”的古典音樂？它在中國的發展現狀如何？

　　國家大劇院，艾森巴赫帶領大劇院樂團綻放激情﹔人民大會堂，梅塔率以色列愛樂樂團閃亮登場﹔工人體育館，李雲迪演繹的肖邦夜曲引人入勝﹔還有德國、奧地利、美國樂團的高水准演出……這個新年，古典音樂成了熱詞。在北京，據說年前年后光以“新年音樂會”冠名的演出就有十好幾場。

　　高雅，源於內心尊重並非外在形式

　　不是專業音樂廳，沒有西裝革履，歲末的工體，上萬觀眾參與了李雲迪音樂會。

　　現場除了演奏肖邦、貝多芬的名曲，大屏幕、旋轉舞台、演奏者與嘉賓的現場互動、流行樂的自彈自唱，這場混搭古典、民族、流行等多種音樂元素的演奏會，收獲了粉絲的熱烈掌聲。

　　“其實兩三百年前，古典音樂並不是現在我們所認為的高雅音樂。古典音樂在當時也是街頭巷尾喜聞樂見的東西。”上海音樂學院老師田藝苗致力於古典音樂推廣，她發起的“穿T恤聽古典音樂”沙龍，作為面向年輕人的社會化、生活化的活動，受到了不少人的歡迎。

　　音樂評論家劉雪楓認為，古典音樂可以給人以精神上的安慰，這是當下人們所亟須的。但人為地把古典音樂抬高到一個所謂“高貴”的位置上，本身是錯誤的。

　　“說古典音樂高雅，倒不如說對音樂都應當抱有一份尊重。古典音樂是跟當時的社會狀況、文化生態相伴發展的，有著厚重的歷史積澱。”劉雪楓笑稱自己也是“雜食愛樂者”，“其實無論何種音樂形式，隻要是用心做的，都有審美價值，都值得尊重。”

　　跨界，放下身段不等於混為一談

　　現今，有不少音樂人引用了古典元素去創作流行歌，也有不少藝術家用現代的形式去展示古典音樂。

　　在李雲迪演奏會現場，記者碰到了一位“雲粉”。她從克萊德曼的鋼琴演奏專輯聽起，后來才真正接觸了古典音樂，然后再聽肖邦、貝多芬的。對於現場演出的“中國風”系列，她表示，用鋼琴來表現傳統京劇很新奇，她也很喜歡。

　　“我認為跨界就是古典音樂放下身段的方式。既可以用一部分古典音樂的元素來創作流行樂，古典音樂演奏家也需要放下身段，讓更多的人接受他的藝術。”

　　在國家大劇院的音樂會中，遲立明和朱迪思·豪沃思扮演的“楊白勞”與“喜兒”中西合璧，表演的歌劇《白毛女》“扎紅頭繩”選段讓觀眾大呼過癮。以色列愛樂樂團演奏中，兩位舞者的表演、一位書法家的現場創作，同樣給人以別出心裁的感受。

　　面對越來越多的“跨界組合”，劉雪楓並不認為這就是古典音樂的發展趨勢，“放下身段有必要，但跨界只是古典音樂發展歷史中的一朵小浪花，古典音樂自誕生以來一刻都沒有停止它的發展。最終還會從本質上向更高層次發展。”

　　欣賞，出於音樂審美而非鑒賞研究

　　面對“經典”，如何才能“聽懂”？

　　田藝苗在“穿T恤聽古典音樂”的沙龍裡，往往會先放一段帶有古典音樂的耳熟能詳的電影片段，“很多人都是從影視劇裡接觸到古典音樂的，這樣做主要是為了拉近大家與古典音樂的距離。”

　　“影視劇也好，音樂會也好，唱片也好，音樂有很多進入途徑和方式。這很大程度上取決於你對音樂的愛，是突然的還是慢慢發展的。”劉雪楓笑著說，“沒愛上，那就是沒到點兒，得慢慢來。”

　　音樂是需要共鳴的。由於人們的性格、脾氣、人生觀、世界觀、文化觀各不相同，因此古典音樂對不同人的吸引力也不盡相同。“同一個人在不同的年齡段，對同一首曲子的理解都會千差萬別。”樂迷小穆介紹，自己當年為了“入門”，曾下苦功啃了很多書，結果聽起來還是“雲裡霧裡沒感覺”。她得出的結論就是，“除了去聽，沒別的辦法。”

　　當然，加強對樂理知識、背景知識的了解，也能加深對音樂的理解。但在音樂欣賞層面，能夠起決定作用的，還是自己的認知。劉雪楓以印象派音樂家德彪西的《大海》舉例，作品描述的是一天之間的海浪起伏，如同畫筆一般勾畫出從早到晚海浪色彩的變化，這種變化是被音樂化了的、性格化了的、情感化了的，“音樂可以表現一切，而這種理解往往需要想象。”過度的解讀反而會扼殺美的想象力。

　　學琴，要“協奏”不要“變奏”

　　在物質充裕的時代背景下，隨著考級、培訓的不斷升溫，越來越多的孩子走上古典器樂學習的道路，有調查稱中國目前已有3000萬的“琴童”。在李雲迪的演奏會上，就可以看到不少觀眾全家組團前來。

　　“父母的初衷當然是好的。”復旦大學在讀博士鄭雯6歲學琴，在校期間舉辦過多場演奏會，至今她依然把彈琴作為舒緩情緒的最好方式，“但和我同期學琴的大部分人，學到半途就放棄了。我自己喜歡的，所以才堅持。”

　　“真正的音樂天才，是那些天生熱愛音樂的孩子，”劉雪楓說，“那種要學習音樂的熱情，擋也擋不住。現在的孩子差不多都是被父母安排學琴的，不可能成才。”

　　鏈接

　　古典音樂小史

　　狹義的古典樂特指18世紀下半葉至19世紀20年代，以海頓、莫扎特、貝多芬為代表的“維也納古典樂派”的作品。

　　而廣義的古典樂則是從15世紀初歐洲文藝復興開始貫穿巴洛克時期、維也納古典時期、浪漫主義時期等，直至現代樂派，甚至包括所有非純粹娛樂性質的現代專業音樂。 

　　巴洛克時期古典樂，新舊風格交織。維瓦爾第、巴赫、亨德爾等是這一時期代表音樂家。

　　維也納古典時期的古典音樂，達到了前所未有的高度。交響樂與奏鳴曲是該時期極為重要的藝術成就。海頓、莫扎特、貝多芬是這一時期的杰出代表。

　　浪漫主義時期音樂，在創作上突破傳統樂章結構的限制，產生了夜曲、敘事曲等許多小型器樂曲體裁。這一時期的代表音樂家有門德爾鬆、瓦格納、肖邦、柴可夫斯基等。

　　古典音樂作品怎麼命名

　　1.體裁+主奏樂器+調性。多用於協奏曲和奏鳴曲，如“降E大調鋼琴協奏曲”。 

　　2.約定俗成的稱呼+體裁。多用於一些知名度較高的作品或創作時名稱不明確，后人起名的作品，或是圓舞曲。如巴赫的勃蘭登堡協奏曲。 

　　3.用國際通用編號。多用於作品豐富的大師級作曲家，如巴赫用BWV，維瓦爾第用RV，莫扎特用K。有時某一類體裁作品也用No.或Op./Opus編號。如代表某個作者第六部作品集的第五首協奏曲。 

　　4.用作曲家的作品集的名稱。如巴赫的平均律鋼琴曲集。

　　5.慶典音樂。如亨德爾的水上音樂、皇家煙火等。

　　6.歌劇、芭蕾舞劇多使用表示劇情或歌詞內容的名字。如門德爾鬆的仲夏夜之夢，歌劇音樂多選自序曲或詠嘆調，如羅西尼的威廉·泰爾序曲。

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