國畫尺幅大內涵未必深？梁江：有悖中國畫發展

　　李可染 《萬山紅遍層林盡染》 69.5cmx45.5cm

　　尚濤 《芳澤》 138cmx69cm

　　石齊 《黃金時節》 68cmx68cm

　　許欽鬆 《雲壑古道》

　　庄小尖 《騰沖鄉村》 76cmx55cm

　　常規而言，六尺以上（含六尺）的中國畫一般都可以稱之為“大畫”。近年來，隨著國民素質的提高和藝術品市場的升溫，“大畫”越發有流行趨勢。同時，也不時有批評國畫創作“假、大、空”的聲音出現。那麼，“大畫”究竟為何深受藝術家和社會的熱捧？“假、大、空”的現象是否真的存在？且看業界專家們的評彈。

　　評論家、畫家 梁江——

　　當今“大畫”有悖中國畫的發展方向

　　“大畫”和“小品”，其實並非一個對稱的范疇。“大畫”一般指的是尺幅的大，而“小品”一般指的是畫作的情調，主要是從其內涵、情趣來定位的，屬於文人畫的一種類別。傳統中國畫中，也沒有“大畫”這一提法，像《清明上河圖》，我們不會稱之為“大畫”，而是叫“長卷”，清代出現的很多宏大歷史作品，譬如《康熙南巡圖》，我們也稱之為“長卷”。新中國成立后，由於意識形態的需要，展示功能的演變，作品被放到專門的美術館、展覽館展出，繪畫成了主題性創作，就像京劇本來是一種廣場藝術，被放到鏡框式舞台演出，成為了高雅藝術。

　　多年來，主題性創作是當代中國美術創作的主流，有其歷史必然性和特殊功能，也推出了不少優秀的作品。但“大畫”創作發展到今天，呈現了一些不好的傾向。本來，中國傳統繪畫屬於文人雅集、雅賞，有沙龍性質，變成了宣傳性的主題創作后，跟陶冶性情的本義已經有很大區別了。現在，一些畫家為了搶眼球，更是把作品畫得越來越大，甚至比壁畫還大，跟古人比簡直南轅北轍。我經常參與策劃大型的美術展覽，有時候一些作品連中國美術館的展廳都沒法豎起來，要斜著放，還頂著天花板。重大歷史題材作品的全國巡展，我也主持過多次，每次都相當費勁，有的一件作品就得動用一個集裝箱，或者要進行拆分，到了場地后再重新組裝。這種趨勢，似乎連中國美協都難以壓制得住。每次全國大展，組委會都會下死規定，要求作品的尺寸不能超過多少，否則就失去參評資格，但每次還是有突破規格的作品出現。

　　事實上，作品尺寸大，不見得內涵就豐富。今天的很多“大畫”，已經完全超出了中國畫的承受度，有悖於中國畫的發展方向。在中國美術館這些年，經驗告訴我，畫家辦展覽，如果為了圓廳專門創作一張“大畫”，往往是吃力不討好的事，無法代表他的藝術水准。反之，很多時候是那些八尺、六尺甚至更小的作品，能充分展現畫家的造詣、水平和追求。但大家為什麼還要孜孜不倦地弄幾張“大畫”呢？無非是為了吸引公眾的目光，就像現在的展覽開幕式，如果沒有很多人參與剪彩，就似乎無法顯示一位藝術家的影響力一樣。

　　所以，我們要告訴公眾，作品的藝術價值並非跟畫幅大小成正比，中國畫隻有回歸到合適的尺寸，才真正適合於欣賞。在展廳或者會議廳陳列的作品，確實需要一些廟堂氣，作品可以大一些，但再大也要適可而止，不能為了大而大，變成大而空洞、大而無當。

　　國畫家 庄小尖——

　　小尺幅畫作更能體現藝術家的境界

　　雖然好畫沒有大小之別，但總體而言，小尺幅畫作更能體現藝術家的風格、能力和境界。

　　在我看來，一位畫家不用移動身體，手臂伸出后所能達到的半徑距離，最能發揮畫家的能力。因為在這種情況下，畫家以身體為軸心，眼睛能一覽無余，整個畫面都在視野的有效控制范圍內，作品會呈現什麼樣的面貌，隨時可以把控、調整。

　　而“大畫”無法整體映入眼帘，創作過程不時要退一步來看﹔時間上也無法連續，會有各種因素影響、干擾到畫家的思想、情緒，想畫得很連貫比較難。古代的畫作都沒那麼大，如宋畫，很多隻有三四十平方厘米，但這些作品畫面雖小，意境很大。即使古人的一些挂軸相對大一些，恐怕他們也想象不到二十世紀、二十一世紀的后來人，會把國畫的尺幅放到這麼極致。

　　我想，國畫的體量之所以越來越大，不外乎兩個原因：

　　一是現在畫畫的人特別多，畫家要參加每五年一次的全國美展，需經過多輪淘汰賽，評委在短時間內要閱畫上千張，由工作人員將畫抬出來給他們看，小畫重在細節，他們肯定看不到，因此畫家隻能拼命畫大作品，不然還會顯得“不夠努力”。此外，現在的展覽條件也比較好，有專門的美術館可以展出，經常還得分門別類，如此多的作品，觀眾通常隻會走馬觀花看一圈，注重的是視覺效果，如果作品小，完全會被忽略掉﹔

　　二是中國藝術品市場這幾十年來出現了一個“怪現狀”——賣畫都以平方尺來論價，很多藏家又不太懂畫，以為尺寸大氣魄也大，這使得很多畫家拼命加大作品的體量。今天，在市場上流通的國畫作品，其總面積估計要超過以前多少個朝代畫作的面積總和。古今中外，恐怕也從來沒有哪朝哪代的藝術家像我們今天的畫家一樣，過著如此滋潤、體面的生活。

　　前人作畫，多數是為了陶冶性情、抒情寫意，為了賣畫而作畫的，向來不多。而今天很多畫家為名為利，揣摩市場、揣摩買家的心意，樂此不疲，如此動機不純，很難出真正的好作品。可以說，這是畫家最好的時代，也是最壞的時代，是國畫創作的瘋狂時代。

　　中國美協副主席、廣東省文聯主席 許欽鬆——

　　當代國畫大家的代表作多為“大畫”

　　國畫大作出現，有其時代的必然性。社會的公共空間越來越大，美術館、博物館等藝術陳列場所的出現，使得人們的欣賞習慣變了，眼界也跟過去大不相同了，意識、胸襟都要博大、開放得多，這些都使得藝術作品在尺幅上呈現出不同的面貌，國畫與時俱進自然不可例外。

　　當代“大畫”中佳構甚多，不少國畫大家的代表性作品都是大作品，像關山月的《江山如此多嬌》、《長城內外盡朝暉》，氣勢磅礡，雄偉壯觀，再如黎雄才、傅抱石等人的“大畫”，也都非常精彩。

　　就我自己的經驗而言，創作“大畫”非常不容易。駕馭“大畫”，有如打一場大戰役，會碰到很多技術難題。首先，“大畫”需要有主題構思，框架要有力度﹔其次，表達上要很強悍，畫面上會出現各種各樣的矛盾，解決好了作品才能撐得起來﹔第三，畫面要呈現個人風貌和獨特意境，把藝術性和思想性高度結合起來﹔另外，“大畫”的創作常常要歷時一兩個月甚至半年時間，如何做到氣韻貫通、畫面飽滿、情感表達統一、筆墨不受情緒變化影響，是很難的。因此，“大畫”往往考量一位畫家的整體素質和掌控能力，挑戰性很高，絕不是“小品”的簡單放大。

　　當然，“小品”也有它的意義和價值，“小品”可以讓畫家更放鬆、更自由地表達個人情感。因此，畫起來比較得心應手，可以更講究筆墨情趣，興之所至，筆墨俱到，絲絲入扣，纖毫畢現。像嶺南畫派四老——趙少昂、黎雄才、關山月、楊善深上世紀80年代合作的那批作品，每個人都是寥寥數筆，卻又很協調，很有品味的空間。本質上，好畫沒有大小之分，“小品”是柔情的，“大畫”是深刻的，就像小夜曲和交響樂之別，各有各的精彩。

　　至於被人詬病的“假、大、空”現象，今天也確實存在——有些作品隻有大的框架而沒有具體內容，在細微的表達上不夠深入，因此經不起推敲和咀嚼。其實，“大畫”在細節上應該有“小品”的某些特點，每一個局部才會耐看。就如長城，盡管那麼長、那麼壯觀，但也是由一磚一石砌成的。

　　國畫家 石齊——

　　“大畫”“小品”只是風格之別

　　作品要畫得很大還是較小，歸根到底要看畫家本人的個性和畫風。有些畫家的胸襟、性情、學識都適合於畫大作品，一旦畫面小了，就容易顯得小氣。

　　舉例說吧，像黃冑，就適合畫“大畫”，因為他的筆墨很奔放，畫大作品會很有氣魄、很洒脫。而像李可染的作品，通常是一張四整尺裁三裁，為什麼他喜歡畫“小品”？因為他的風格比較凝重，畫面一層一層地暈染，如果畫得太大，很難做得這麼講究。雖然在精細度上，黃冑的作品不及李可染，但兩人的作品並無孰高孰低之分，只是風格有別。

　　就我自己而言，作品的尺寸也要適當大一些，但我用在一張作品上的時間，常常是現在一些畫家的三到五倍，因為我的畫都是三象合一，畫面要協調，有很多難點，需要反復畫，快了是出不來的。而王明明的作品，尺寸相對要小一點，因為他畫得很文氣。可以說，一張作品隻要畫地道了，大小不是衡量的標准。就像做人一樣，隻要做得到位，誰會在意他的高矮胖瘦？

　　另外，很多時候也未必是畫家要畫大作品，而是一些地方就要“大畫”。因為公共場所越建越大、越來越好，作品要與之相稱，規格上肯定要大，這也是當代社會的一種需求吧。

　　當然，現在確實有很多“大畫”比較粗糙。“大畫”其實對筆墨、章法的要求非常高，要做到畫面層次感強，內容豐富，隻圖快是不行的。像李可染、陸儼少、傅抱石、潘天壽等畫家，他們的創作態度都很嚴謹，推敲又推敲，點染又點染，所以作品無論大小，都能臻於妙境。假如李可染畫一張大作品，我估計沒有半年時間他是斷不會停筆的，而現在的很多畫家，可能一個星期就完成了。而且，以前的畫家，不是在畫畫就是在看書，炒作非常少，應酬也不多﹔今天的畫家，書看得少，用在畫作上的時間又不夠，心思多在跑關系和炒作上，隻關注自己的畫一平尺多少錢，比較功利、現，佳作也就出不來了。因此，從根本上講，不是今天的畫家水平不行，也不是“大畫”難出彩，而是很多畫家的創作態度遠不及前輩，才會有“假、大、空”現象存在。